o artista criando um legado monumental sem terminar uma pintura

Anselm Kiefer, o mestre do mítico e do grandioso, nascido na Alemanha e radicado na França, tem levado sua marca de arte monumental ao público em todo o mundo ao longo do último meio século. O artista é conhecido por questionar a identidade da Alemanha no pós-guerra, recorrendo a uma série de fontes culturais, literárias e filosóficas numa ampla variedade de meios, desde pinturas e fotografias a esculturas e instalações. Em 1992, depois de deixar a Alemanha, Kiefer adquiriu a La Ribaute, uma antiga fábrica de seda em Barjac, no sul da França. O local desenvolveu-se organicamente em um vasto complexo de estúdios composto por pavilhões, instalações de arte ao ar livre, câmaras subterrâneas e um anfiteatro de concreto de cinco níveis (o complexo foi comparado a um formigueiro humano). O artista viveu no local de 40 hectares, 70 km a noroeste de Avignon, até 2007, quando se mudou para um novo estúdio em Croissy-Beaubourg, nos arredores de Paris.

Kiefer continua a deixar a sua marca através de obras e monumentos permanentes, especialmente em França. Em 2007, o artista revelou uma encomenda de 10 metros de altura, Athanor, nas paredes da galeria egípcia do Museu do Louvre. Em 2020, Kiefer inaugurou outra obra permanente no Panteão de Paris para marcar a chegada do caixão do escritor francês Maurice Genevoix. A última exposição do artista, Fallen Angelsinaugurado no Palazzo Strozzi, em Florença, em 22 de março, normalmente revela temas épicos ligados à religião, história e literatura, levando os visitantes a reconsiderar “nossa relação entre o espiritual e o material”, segundo os organizadores.

The Art Newspaper: A primeira peça monumental que os visitantes encontrarão em sua exposição no Palazzo Strozzi é Angel’s Fall (2022-23), uma enorme pintura no pátio que retrata a passagem do Livro do Apocalipse que descreve a batalha entre o arcanjo Miguel e o rebelde anjos.

Anselm Kiefer: Isso é algo que sempre me interessou porque diz algo sobre o estado do mundo. É um passaro. É tão imperfeito. A vida é tão mal construída – temos guerras desde o início e elas não terão fim. E há a teodicéia (o argumento religioso e filosófico sobre a existência do mal e de um deus onipotente), literalmente a justificação de Deus, que prova que o mundo é bom porque Deus é bom. Deus é bom, mas o mundo não é bom. Gottfried Leibnitz (o filósofo alemão do século XVII) disse uma vez que o mundo (real) é o melhor de todos os mundos (imaginados), mas quando ocorreu o terramoto em Lisboa (em 1755), mudou a sua filosofia. A religião cristã diz que Deus é o melhor que você pode imaginar; ele sabe tudo, ele decide tudo. Há uma grande contradição nisso.

Você está preocupado com o estado do mundo e da humanidade?

Neste momento estou mais preocupado do que antes porque o mundo se tornou mais complexo. Tínhamos, nas décadas de 1970 e 1980, dois mundos – o Ocidente e o Oriente. Então pareceu ser mais fácil. Foi claro. Antes, a fronteira estava clara. Mas mesmo assim, era uma ameaça à vida. Conheço três situações em que a bomba atómica nuclear explodiu, não numa guerra, mas por engano.

A ideia do anjo caído, do anjo rebelde mergulhando no abismo, continua na pintura Lúcifer (2022-23), que ficará exposta na sala um da exposição.

Sim, Lúcifer é o outro parceiro de Deus que trabalha contra Deus e no final é derrotado por São Miguel. Depois, mais adiante na mostra, há as Pinturas Irradiadas (1983-2023), que são destruídas por mim através do (processo de) irradiação.

Estas pinturas, algumas das quais foram criadas submergindo as peças em banhos de eletrólise, têm sido uma parte fundamental da sua prática durante décadas. Mais de 60 deles preencherão as paredes e o teto de uma das maiores salas do Palazzo Strozzi.

Sim, eles são um reflexo do mundo, como opostos do bem e do mal. Eles são destruídos por mim, porque não consigo fazer um chef-d’oeuvre (uma obra-prima).

Quer dizer que você acha que nunca criou uma obra-prima?

Não. Eu tento o tempo todo, mas não consigo, meu talento não chega. Nunca pensei que uma pintura pudesse ser terminada. Nunca termina, no meu caso. Eu tenho tantas pinturas. Se você vier ao (estúdio em) Paris, verá toda a longa fileira de contêineres que abrigam obras do final dos anos 1960 até agora.

Você exibirá as fotografias dos Símbolos Heroicos (1969) na exposição de Florença, que mostram você reproduzindo a saudação de Sieg Heil com o braço levantado, refletindo como você enfrenta a história alemã. Estou fascinado por saber por que você acha importante colocar as fotografias novamente em exibição pública.

Se tiver que fazer uma biografia do meu trabalho, começa aqui. É mais um exemplo do meu trabalho (prática). Eu não faria isso (agora) porque quando fiz isso foi no final da década de 1960; então ninguém na Alemanha falou sobre (a guerra), sabe? Mas agora você pode ver todos os dias na televisão alemã algo sobre essa época. Portanto, ninguém mais pode dizer que está envolvido; eles estão todos envolvidos agora.

Em 2014, o programa Imagine da BBC disse que você “cutuca incessantemente na ferida aberta da história alemã”. Você acha que toda arte é inerentemente política?

É uma ferida aberta. Está claro. Ainda está presente. Temos agora na Alemanha alguns políticos que também remontam a esta época. Um artista está, como eu, envolvido na situação da época. Leio os jornais e estou bem informado. Então automaticamente sou político.

Numa possível nota política, numa discussão em 2022 com Michael Govan, diretor do Museu de Arte do Condado de Los Angeles, você disse: “As fronteiras são a coisa mais chata do mundo”.

Você precisa de fronteiras como ser humano, caso contrário não poderá existir. Damos (bordas e formas) às estrelas, damos-lhes símbolos e fronteiras. As fronteiras são completamente flexíveis. A água (nível do mar) subirá; Não sei quantos metros eles vão subir. Haverá uma enorme migração no futuro. Deveríamos estar preparados agora. Ninguém fala sobre isso.

O documentário Anselmo (2023), dirigido por Wim Wenders e rodado em seu estúdio em Croissy-Beaubourg e em seu vasto complexo La Ribaute, mostra você trabalhando e se movimentando pelos espaços. Sua fisicalidade – a maneira como você queima as pinturas com um lança-chamas, para que elas peguem fogo e depois as apaguem – é hipnótica.

Estou dançando no meu estúdio. Estou dançando em frente às minhas pinturas. Você sabe o que Friedrich Nietzsche disse? Ele disse: “Minha filosofia é dançar”. Faz parte da fisicalidade. Ele disse isso porque não estava muito fisicamente, estava doente. Ele sempre sonhou, dançando (e idealizando) sua filosofia. O feno queima nas minhas pinturas, mas às vezes as pinturas também queimam. Tem alguém atrás que esfria a tela, mas as cores queimam.

E La Ribaute é a sua versão de museu?

Não é um museu. Eu ainda trabalho lá. É como uma pintura: comecei e continuo, e adiciono (coisas). Agora é uma fundação (Fundação Eschaton-Anselm Kiefer) e, quando eu morrer, ela permanecerá lá. Não se dispersa em todas as direções porque é intocável, o que é bom.

Será o seu memorial?

Você me deu a ideia. Talvez eu tenha que perguntar ao prefeito, posso ser enterrado lá? A morte não é mórbida; Penso todos os dias na minha morte. Faz parte da vida. Sem a morte, você não teria esta vida.

A fama – ou notoriedade – lhe interessa?

Eu tenho duas partes. Por um lado, sou ambicioso, mas acho que a ambição de ser famoso é muito ingênua. Posso falar de muitos pintores que eram famosos quando morreram, e hoje ninguém os conhece. Então esse tipo de fama é relativo. Na década de 1980, tornei-me uma espécie de estrela. Mas eu não estava ciente disso. Sempre me preocupei apenas com meu trabalho. Quando cheguei em Nova York (na década de 1980) na imigração, duas senhoras vieram e me chamaram de lado (para um processo de imigração acelerado). Então pensei: “Sim, isso talvez seja fama”.

Mas você tem uma certa licença e privilégio. Nem todo artista pode assumir o controle do Palazzo Ducale em Veneza como você fez em sua exposição de grande sucesso de 2022.

Certamente não. Existem outros artistas (notáveis). Vija Celmins – ela não faria o Palácio Ducal, mas ela é boa. Ela faz essas coisinhas, esses pontinhos, o mar e as estrelas.

Segue-se que a maioria das pessoas diria que você é um artista monumental.

É um absurdo. Meu pintor favorito, que fez as pinturas de Havana (no final dos anos 1950), é Willem de Kooning. Suas pinturas em Havana têm, creio eu, 80 por 70 polegadas e são monumentais. A monumentalidade não é um sinal de dimensões. É um sinal do caráter da pintura. Uma pequena pintura pode ser monumental. A escala é completamente sem importância.

Você absorve e cita várias figuras que o influenciaram, incluindo Jean Genet, Martin Heidegger e o poeta romeno Paul Celan. Na mostra Palazzo Strozzi, a obra O Lugar Solitário (2019-23) inspira-se no Surrealismo de Raymond Roussel.

Eu tenho uma biblioteca. E de manhã, antes de começar, dou uma olhada na minha biblioteca. Pego um livro e leio, então estou sempre junto com muitas outras pessoas de outros séculos. Eles são meus críticos.

E quanto aos “ismos” da história da arte? O futurismo, por exemplo, ainda é subestimado.

Acho que as ideias dos futuristas, a teoria, a ideia, não eram más. Mas os resultados? Eu pintaria todos eles. Gostaria de tê-los em meu estúdio. Eu faria algo com eles.

Biografia

Nascido em 1945, Donaueschingen, Alemanha

Vive e trabalha em Paris, França

Educação 1966-69 Academia Estadual de Belas Artes, Karlsruhe e Freiburg

Key mostra o pavilhão da Alemanha Ocidental de 1980, 39ª Bienal de Veneza; 1988 Museu de Arte Moderna, Nova York; 2001 Museu de Arte Moderna da Louisiana, Humlebaek; 2007 Monumenta, Grand Palais, Paris; 2014 Royal Academy of Arts, Londres; 2015 Centro Pompidou, Paris; 2022 Palazzo Ducale, Veneza

Representado por Gagosian, White Cube, Thaddaeus Ropac e Lia Rumma Gallery

Anselmo Kiefer: Anjos CaídosPalazzo Strozzi, Florença, 22 de março a 21 de julho