mostras têxteis em todo o Reino Unido desvendam histórias e tecem novos contos

Situado no topo de uma avenida elegante na cidade termal georgiana de Bath, o Museu Holburne é o epítome do bom gosto inglês. Mas a sua harmonia neoclássica é atualmente perturbada por faixas de tecido de cores vivas enroladas nos pilares da sua fachada com pórticos. No interior, mais peças do tecido vívido correm desordenadamente: percorrendo o antigo salão de baile e ondulando sob os retratos nas galerias de fotos do andar de cima.

Com os toques mais leves, mas proporcionando o mais forte impacto, Lost Threads, de Lubaina Himid, usa o poder simbólico do chamado algodão de cera holandês para transformar e subverter os espaços da galeria. Originalmente concebido para imitar o batik javanês e depois introduzido pelas empresas coloniais holandesas do século XIX nos mercados da África Ocidental e Central, o algodão encerado holandês com padrões complexos está agora indelevelmente associado à história e identidade africanas. Solto em Holburne, este tecido culturalmente carregado aponta para as sombrias histórias coloniais que sustentam este elegante edifício e suas extensas coleções: o fato de que grande parte da riqueza do fundador William Holburne derivava de plantações nas Índias Ocidentais e de que os nobres georgianos retratados por Gainsborough e Zoffany também eram proprietários de plantações ou membros das empresas Royal Africa ou East India. Até o próprio edifício Holburne faz parte de um projecto arquitectónico financiado pelos lucros do comércio de açúcar das Índias Ocidentais.

“Este trabalho está aqui para lembrá-lo de que tudo o que você vê tem mil camadas por trás e por baixo – é tudo sobre a cidade, a casa, as pinturas e os arredores – está lembrando você de que algo não está certo”, diz Himid, acrescentando que “o problema de trabalhar com tecido é que você pode usá-lo ativamente, pode pendurá-lo sobre as coisas, amontoá-lo e enrolá-lo nas coisas”. Ela também observa que “as fórmulas, códigos e famílias de padrões” nestes têxteis específicos “falam numa linguagem secreta sobre assuntos que considero impossível expressar claramente de qualquer outra forma significativa”.

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O tecido de cera holandês também aparece com destaque no trabalho de Yinka Shonibare, que por mais de três décadas utilizou sua história complicada, bem como sua aparência distinta de inúmeras maneiras. No momento, uma escultura Shonibare de um menino sem cabeça em traje vitoriano feito de algodão encerado holandês, no topo de um globo suspenso, é uma das exposições provocativas em Unravel: The Power and Politics of Textiles, uma exposição na Barbican Art Gallery de Londres (até 26 May), que examina o poder transformador e subversivo dos fios, fios e tecidos, e que mais tarde viajará para o Museu Stedejlik, em Amsterdã.

Do artesanato à arte

Como Ben Luke observou no The Art Newspaper no mês passado, os têxteis estão actualmente a entrar no mercado. Outrora ridicularizados e marginalizados como um meio “feminino” associado ao artesanato ou à arte aplicada, os tecidos, fios e fios são agora objecto de várias mostras institucionais importantes que revelam como os têxteis têm sido aproveitados pelos artistas para criticar e desafiar o status quo, artística e socialmente. e politicamente. Os têxteis foram até identificados como tema de destaque pelo curador Adriano Pedrosa para a sua exposição na próxima 60ª Bienal de Veneza.

“O que significa imaginar uma agulha, um tear ou uma peça de roupa como ferramenta de resistência?” pergunte aos organizadores do Unravel, antes de mostrar, no trabalho de mais de 50 artistas, quão multifacetadas essas imaginações podem ser. Eles incluem uma colcha de histórias de Faith Ringgold e os monumentais comprimentos de lã não fiada de Cecilia Vicuña, que vão até o teto, que falam de sistemas de conhecimento pré-coloniais. Eles podem assumir a forma da pequena figura feminina suspensa do Arco da Histeria de Louise Bourgeois ou dos retratos minuciosamente detalhados de LJ Roberts representando uma comunidade intergeracional de pessoas queer e trans. Depois, há a grande tela costurada de Ghada Amer que, quando mulher, proibida de ingressar nas aulas de pintura da escola de artes, recupera aqui a linguagem da abstração gestual em linhas repetidas de linha rosa. Mas, com provocação astuta, suas “gotas” costuradas em rosa também atuam para ocultar parcialmente a repetida imagem bordada de uma mulher nua se masturbando, com a cabeça jogada para trás de prazer.

Com percepção astuta, a falecida grande artista polaca Magdalena Abakanowicz – cujo Vêtement Noir (roupa preta, 1968) é uma das principais obras de Unravel – observou que somos todos “estruturas fibrosas”, intimamente incorporadas e associadas a esta mais multifacetada e associativo de médiuns que toca literalmente todos os aspectos de nossas vidas, desde o nascimento até a morte, além de nos amarrar ao extrair aspectos desconfortáveis ​​de nossas histórias passadas. O reconhecimento do seu papel crucial é, portanto, há muito necessário.

E esse renascimento têxtil vai além de shows com temas especiais. Beyond Form: Lines of Abstraction 1950-70, na Turner Contemporary Margate (até 6 de maio) é uma pesquisa ambiciosa e habilmente curada que explora como mulheres artistas em todo o mundo abraçaram a abstração como um meio de explorar ideias progressistas nas turbulentas e sísmicas duas décadas seguintes ao Segunda Guerra Mundial.

Aqui vemos como os têxteis e a arte em fibra também desempenharam um papel fundamental no desenvolvimento de novas linguagens expressivas abstratas, especialmente no caso das compatriotas menos conhecidas de Abakanowicz, Ewa Pachucka e Maria Theresa Chojnacka. Ambos também encontraram maior liberdade criativa ao fazer esculturas de fibra tecida, que, ao contrário da pintura e da escultura, não estavam sujeitas à rigorosa censura estatal da Polónia comunista do pós-guerra.

Outros exemplos são as americanas Leonor Tawney e Shelia Hicks (ambas também na exposição Barbican) para quem as técnicas de tecelagem abriram novas oportunidades expressivas e conceptuais, ao mesmo tempo que desafiaram as hierarquias sociais e artísticas convencionais; junto com as impressionantes obras tecidas de Nelly Sethna, cujas composições com borlas em loop fundiram as tradições artesanais indianas com o modernismo escandinavo.

O tapete pesado de Axminster normalmente não é associado à arte corporal performativa e progressiva, mas na Gasworks, no sul de Londres, Anna Perach, nascida na Ucrânia e radicada em Londres, está demonstrando como as novas gerações de artistas também estão se envolvendo com o poder do fio. Sua exposição dramática, Holes (até 28 de abril), embeleza estruturas escultóricas com carpetes tufados de cores vivas representando empinados, figuras em pose, rostos fazendo caretas e partes isoladas do corpo. No centro, deitada no que parece ser uma mesa de operação, está uma ‘Vênus’ feminina nua, de bruços, maior que o tamanho natural, feita por Perach a partir de um tapete de lã feito à mão. Uma aba com zíper em seu abdômen esconde uma cavidade abdominal revestida de couro contendo um par de rins e um feto feito de vidro.

Em certos momentos durante o show, essa mulher monstruosa e seu ambiente difuso são periodicamente ativados por uma performance intensamente ritualística representada por dançarinos parecidos com sprites, com os rostos cobertos e envoltos da cabeça aos pés em trajes de malha fina. A certa altura, a gigante Vênus se abre e um artista vivo emerge de dentro, aparecendo como um ser estranhamente esfolado, sem rosto, envolto em uma cobertura pegajosa de um vermelho profundo. Simultaneamente acolhedor e assustador, a materialidade sufocante do tapete torna-o quase um protagonista activo na potente mistura de folclore e feminismo de Perach e na sua exploração dos limiares interiores e exteriores e dos estados físicos. Ponto subversivo, de fato.